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Ci sono molti posti dove vedere l’arte nel Maine, compresi quelli fuori dai radar che potresti non pensare di visitare. Uno di questi luoghi è Frontier, l’ex ristorante, cinema e spazio a uso misto nell’edificio Fort Andross Mill, che costituisce la via principale di Brunswick. “Mill Works 3” (fino al 31 gennaio) riunisce 26 artisti che occupano i laboratori della vecchia fabbrica.
A partire dal 1809, l’edificio monumentale sfruttò la potenza del fiume Androscogen per gestire una grande operazione che produceva cotone per la filatura. Ha fallito molte volte ed è stato ristrutturato molte volte prima di rompersi negli anni ’60. Nel 1986 è stato acquistato e ristrutturato per uffici e studi.
Frontier è stata fondata da Michael Gilroy nel 2006 come luogo di cinema, cibo, musica e arte. Dopo la chiusura all’inizio della pandemia, lo spazio del ristorante ha riaperto il 3 novembre come galleria e caffetteria e lo spettacolo “Welcome” presenta 26 artisti che hanno studi nell’edificio. Lo spettacolo è stato presentato dall’impiegata di Frontier Kristyn Platt in collaborazione con Richard Keen, uno degli artisti in mostra (che ha contribuito a coloratissimi abstract grafici ispirati al mare che sono piacevoli alla vista, se non incantevoli, nella loro semplicità e unidimensionalità).
C’è un sacco di lavoro interessante da vedere qui. Ma poiché il posto è stato recentemente un ristorante, ha le sue sfide. Molte strutture sono sospese troppo in alto per consentire il lancio di vecchi infissi di ristoranti, come le pareti divisorie. Inoltre, rende difficile avvicinarsi ad alcune azioni, poiché costringe lo spettatore a guardarlo da vicino ma di lato o di fronte ma da dietro.
Anche la generalità del modello di valutazione in base al quale è stata raccolta questa arte può essere problematica. È abbastanza generico e varia nella qualità del lavoro. Né è strutturato nel senso che le piattaforme in bundle lavorano insieme senza pensare molto a come sono integrate o distratte. La sua attenzione sembra essere più sulla composizione finale del muro che sulle sue singole parti.
Ad esempio, questa parete in stile soggiorno raccoglie alcuni dei migliori lavori in vetrina di Andrea Sulzer, William Zingaro, Ellen Golden, Carla Weeks e altri. Ma non hanno nulla a che fare con questo, lasciando entrambi a badare a se stessi, non importa cosa c’è accanto a loro.
Prendi una delle installazioni in alluminio “Urban Landscape” di Bill Zingaro. È forte, volumetrico e maschile, e salta letteralmente agli occhi di chi guarda. Questa è una distrazione dall’ipnotico, ma più piccolo e accurato studio monocromatico di Carla Weeks in Blue 6″ e dal “Monochrome Study in Blue 7”.
Ognuno è considerato potente. Zingaro riscalda e martella le lamiere nelle forme modulari desiderate che le saldano insieme alle griglie intelaiate. Sono simili ai modelli topografici 2D generati dai rilievi. Il metallo argentato ha una forte presenza industriale sottolineata dalle zone di spaccatura della piastra di base, che Zingaro ha fissato con rivetti più piccoli. Partito e profondamente, imballa un pugno.
Carla Weeks, “Studio monocromatico in Blue 6”
Al contrario, i dipinti di Weeks utilizzano alcune sfumature appena sfumate di blu cobalto profondo per trasmettere forme astratte che si riferiscono all’architettura. Visivamente e visivamente, sono silenziosamente profondi. Il colore è così denso che puoi quasi sentirlo, e la gradazione è così sottile che ci vuole un minuto per disegnare le diverse forme nelle cornici. Richiede una profonda intuizione e trasmette un senso di pace che sembra andare contro il puro carisma dell’opera di Zingaro.
L’assemblaggio in stile saloon significa anche che alcuni lavori vengono mantenuti al di sotto dell’ottimale. L’insolito “Snow Packed” di Sulzer è la vittima. Merita molto spazio per comprendere la complessità del tuo processo. È fatto con acquerello e inchiostro a olio, che Sulzer applica sulla carta in quelle che sembrano essere centinaia di segni casuali e ossessivi.
In generale, l’opera sembra essere una collina innevata. Ma i marchi confondono il nostro senso della scala e dell’oggetto. A volte i gruppi di linee corte possono sembrare alberi, altre volte come pattinatori. Altri gruppi possono intimidire interi villaggi arroccati sul fianco della montagna. Altri sembrano essere impronte o zoccoli che seguono il movimento di uomini e animali attraverso la neve.
Andrea Sulzer, “Innevato”
Quando guardiamo le sezioni di un dipinto, i dettagli sembrano muoversi e cambiare, raggruppandosi costantemente nel nostro cervello come qualcosa di diverso fino a quando non abbiamo idea di cosa stiamo guardando. In questo modo, la composizione appare selvaggiamente turbolenta e sfuggente, lasciandoci sospesi in una sorta di spazio insolubile. La sensazione interiore che questo produce è affascinante e confusa.
Anche una delle opere visivamente lussureggianti di Ellen Golden è appesa a questa parete (il suo lavoro è attualmente in mostra insieme al defunto marito Duane Paluska al Jewish Museum nel Maine). In questo caso, c’è un collegamento. Golden attribuisce a un corso accelerato di pittura che ha seguito con Sulzer un punto di svolta nella sua arte.
Certo, la tendenza “intensiva” è stata bloccata. Come Sulzer, i design di Golden possono interrompere il nostro senso di continuità. Consiste principalmente di bande orizzontali. Ma Golden cancella la sua qualità calligrafica dividendola con virgole di inchiostro nero che formano collettivamente triangoli, rettangoli e trapezi. Queste forme geometriche si intersecano e rompono completamente il rivestimento orizzontale delle linee.
Lo stesso Flanagan espone notevoli opere astratte. La canzone “Mumbles”, situata sulla parete di fronte, ha una notevole qualità musicale ritmica. La sua geometria sfocata crea l’impressione di movimento. Trapezi e triangoli possono sembrare sporgere verso lo spettatore o scomparire nello spazio. Le linee si muovono avanti e indietro e si muovono avanti e indietro su se stesse. Tutto ciò trasmette i singoli elementi in movimento in una danza energica e improvvisata.
In generale, le opere astratte sono le più utili in “Mill Works 3”. Le eccezioni sono “Dune, Popham Beach, Phippsburg, ME” di Tina Ingraham e “Forest Boards” di Rinuka O’Connell. Lo stile impressionista di Ingraham si sposa bene con il tema delle dune di sabbia, che, come un debole pennello, possono sembrare muoversi e spostarsi. È un dipinto di paesaggio tradizionale, ma mantiene molto bene il romanticismo in questo lavoro. O’Connell usa l’inchiostro per evocare i boschi in inverno. Ma l’immagine non è letterale. Sembra invece avere un tocco di cubismo analitico che si colloca in modo intrigante al confine tra rappresentazione e astrazione.
Vale la pena vedere le opere di questi artisti e di altri. Anche quando la loro presenza sembra essere un’anomalia nelle loro azioni, ricompensano la nostra attenzione. Un video digitale di Elijah Uber, ad esempio, sembra stranamente posizionato in un piccolo corridoio che porta al cinema. Tuttavia, è così visivamente assorbente che è probabile che tu veda più anelli di questa lumaca sfondare e rivelare strutture misteriose nella sua scia.
Jorge S. Arango scrive di arte, design e architettura da oltre 35 anni. Vive a Portland. Può essere contattato a: [email protected]
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